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BAMA 제15회 부산국제화랑아트페어
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OPENING RECEPTION
Apr 02, 2026
GALLERY
Artcube2r2
ORGANIZER
BAMA
ORGANIZED BY
BAMA
Busan Annual Market of Art 2026
ARTCUBE 2R2 presents a selection of contemporary artworks at Busan Annual Market of Art 2026, featuring a range of practices from painting and printmaking to character-based visual language. The presentation includes works by Grafflex, known for merging imagery from popular culture with street aesthetics, alongside editioned works by Damien Hirst, a leading figure in British contemporary art. Also featured are artists representing diverse approaches within contemporary Korean painting: Seo Daeho, whose works are characterized by lyrical color and refined compositions; Lee Sara, who develops imaginative narratives through character-driven imagery; Chun Kyung-ja, an important figure in modern Korean art; and Ha Taeim, widely recognized for her rhythmic abstract paintings. In addition, works by Japanese artist HiroYuki reinterpret iconic masterpieces from art history through a contemporary visual language, expanding the dialogue between historical imagery and present-day visual culture. ARTCUBE 2R2는 이번 Busan Annual Market of Art 2026에서 회화와 판화, 캐릭터 기반 작업 등 다양한 스펙트럼의 동시대 미술을 선보인다. 이번 부스에서는 대중문화적 이미지와 스트리트 감각을 결합한 작업으로 주목받고 있는 그라플렉스를 비롯해, 영국 현대미술을 대표하는 작가 데미안 허스트의 판화 작품을 함께 소개한다. 또한 한국 현대 회화의 다양한 흐름을 보여주는 작가들로 구성된 라인업을 통해 폭넓은 시각적 경험을 제안한다. 서정적인 색채와 감각적인 화면 구성을 선보이는 서대호, 상상적 서사와 캐릭터 기반 회화를 전개하는 이사라, 한국 근현대 미술을 대표하는 작가 천경자, 색채와 리듬감 있는 추상 회화로 잘 알려진 하태임의 작품을 함께 선보인다. 이와 함께 일본 작가 히로유키의 작업을 통해 미술사 속 명작을 동시대적 시각 언어로 재해석하는 흥미로운 접근을 제시하며, 다양한 세대와 지역의 작가들이 만들어내는 동시대 미술의 다층적인 흐름을 소개하고자 한다.
GRAFFLEX 그라플렉스
b.1989 Grafflex is an artist who works across a wide range of media, including painting, public art, and art toys, developing a friendly and accessible visual language that resonates with a broad audience. Inspired by comics and animation, he utilizes bold black outlines as a key formal element to reconstruct figures, objects, and everyday imagery, creating his own distinctive visual expression. His work often begins with familiar images drawn from the mass media he encountered in childhood, expanding into contemporary narratives shaped by personal experiences and cultural contexts. Influenced by cartoon aesthetics, hip-hop, and street culture, Grafflex continues to broaden his artistic practice through collaborations with diverse brands, spaces, and products, pushing beyond the traditional boundaries of art. He has collaborated with numerous global brands, including Nike, New Era, Montblanc, Bang & Olufsen, Mercedes-Benz, CASETiFY, Riot Games, Paris Saint-Germain FC, and Sesame Street. Grafflex has held solo exhibitions in Seoul, London, Madrid, and Manila, and has participated in numerous group exhibitions across more than ten countries. Through his work, he explores ways in which art can naturally integrate into everyday life, continually seeking new points of connection with a wider audience. 그라플렉스는 회화, 퍼블릭 아트, 아트 토이 등 다양한 매체를 넘나들며 작업하는 아티스트로, 폭넓은 대중과 소통할 수 있는 친근하고 접근성 높은 시각 언어를 구축해 왔다. 만화와 애니메이션에서 영감을 받은 그는 굵은 검은 윤곽선을 주요 조형 요소로 활용해 인물, 사물, 일상의 이미지를 재구성하며 자신만의 독자적인 시각적 표현을 만들어낸다. 그의 작업은 어린 시절 접했던 대중매체의 익숙한 이미지에서 출발해, 개인적 경험과 문화적 맥락이 반영된 동시대적 서사로 확장된다. 카툰 미학과 힙합, 스트리트 컬처의 영향을 바탕으로, 그라플렉스는 다양한 브랜드, 공간, 제품과의 협업을 통해 전통적인 예술의 경계를 넘어 작업 영역을 지속적으로 확장하고 있다. 그는 Nike, New Era, Montblanc, Bang & Olufsen, Mercedes-Benz, CASETiFY, Riot Games, Paris Saint-Germain FC, Sesame Street 등 다수의 글로벌 브랜드와 협업해 왔다. 서울, 런던, 마드리드, 마닐라에서 개인전을 개최했으며, 10개국 이상에서 열린 여러 단체전에 참여했다. 그라플렉스는 예술이 일상 속에 자연스럽게 스며들 수 있는 방식을 탐구하며, 보다 넓은 관객과의 접점을 만들어가는 작업을 이어가고 있다.
Damien Hirst 데미안 허스트
b.1965 Damien Hirst is one of the most prominent figures in British contemporary art and a central member of the Young British Artists (YBA). Throughout his career, he has persistently explored themes of life and death, desire and belief, as well as the complex relationship between consumption and art. After graduating from Goldsmiths, University of London, Hirst gained international recognition in the early 1990s with a series of striking and symbolic works, including sculptures featuring preserved animals in formaldehyde, the Medicine Cabinet series, and his well-known Spot Paintings. By combining scientific imagery with the language of contemporary art, his works reveal the fragility of human existence and critically reflect on the value systems of modern society. He has received numerous accolades, including the Turner Prize, and has held major exhibitions at institutions such as Tate Modern, Serpentine Galleries, and Newport Street Gallery. His works are held in major international collections, including Tate, Museum of Modern Art, and Solomon R. Guggenheim Museum. Today, Hirst is widely regarded as one of the most influential artists of our time. 데미안 허스트(Damien Hirst)는 영국을 대표하는 현대미술 작가이자 YBA(Young British Artists)를 이끈 핵심 인물로, 생명과 죽음, 욕망과 신앙, 소비와 예술의 관계를 집요하게 탐구해왔다. 런던 골드스미스 대학을 졸업한 그는 1990년대 초부터 동물 표본을 포름알데히드 용액에 담은 조각, 약품 캐비닛 시리즈, 스폿 페인팅 등 강렬하고 상징적인 작업으로 국제적인 주목을 받았다. 허스트의 작품은 과학적 이미지와 미술의 언어를 결합해 인간 존재의 유한성과 현대 사회의 가치 체계를 날카롭게 드러낸다. 터너상 수상을 비롯해 테이트 모던, 서펜타인 갤러리, 뉴포트 스트리트 갤러리 등 주요 미술관에서 개인전을 개최했으며, 그의 작품은 테이트, MoMA, 구겐하임 미술관 등 세계 유수의 기관에 소장되어 있다. 데미안 허스트는 오늘날 가장 영향력 있는 동시대 작가 중 한 명으로 평가받고 있다. - Suiko (The Empresses) is an editioned print that visualizes Hirst’s ongoing exploration of life, death, transformation, and eternity through the image of the butterfly. The vividly colored butterfly symbolizes both beauty and ephemerality, while the repeated composition and ornamental structure suggest the order of nature alongside the systems of value imposed by humans. Produced as a high-resolution giclée print enhanced with glitter silkscreen, the work emphasizes painterly texture and dimensionality despite being a print edition. Through this edition, viewers can engage more accessibly with Hirst’s distinctive symbolic language. The work encapsulates the artist’s broader worldview, inviting reflection on the boundaries between nature and humanity, as well as between art and consumption. Suiko (The Empresses)는 데미안 허스트가 지속적으로 탐구해온 생명과 죽음, 변화와 영원의 개념을 나비 이미지로 시각화한 판화 에디션 작품이다. 화려한 색채의 나비는 아름다움과 동시에 덧없음을 상징하며, 반복된 구성과 장식적 요소는 자연의 질서와 인간이 부여한 가치 체계를 암시한다. 고해상도 지클리 프린트 위에 글리터 실크스크린을 더해, 판화임에도 회화적인 물성과 입체감을 강조했다. 에디션 작업을 통해 허스트 특유의 상징 언어를 보다 친숙하게 경험할 수 있으며, 자연과 인간, 예술과 소비의 경계를 사유하게 만드는 허스트 세계관이 집약된 작품이다.
Featured Artworks
Lee Sara 이사라
b.1979 Lee Sara is a painter who received her Ph.D. in Fine Arts from Hongik University and has been actively presenting her work through numerous exhibitions. Her central body of work, Wonderland, represents an imagined world shaped by the artist’s sense of love, happiness, and curiosity. The girls who appear in her paintings are fictional figures inspired by childhood memories and emotions, functioning as vessels through which the artist projects her wishes and inner narratives. Through scenes in which wide-eyed girls travel through an imaginary world with their monster companions, Lee creates a warm and dreamlike atmosphere rooted in childhood innocence and imagination. Lee has held approximately 45 solo exhibitions at venues including Gana Art Space, Insa Art Center, Gallery Daon, M Contemporary, The Trinity Gallery, and Grand Josun Jeju. She has also participated in numerous group exhibitions and art fairs in Korea and abroad, continuously expanding the scope of her artistic practice. Her works are included in the collections of institutions such as the National Museum of Modern and Contemporary Art Art Bank, Space MoA Museum, Moran Museum of Art, Seoho Museum of Art, and Seoul Museum of Art, as well as in the collections of organizations and companies including Heart-Heart Foundation, Adidas, Raon Stay, Seoul USC Dental Clinic, Dodam Estate, and Sookmyung Women's University, alongside numerous private collectors both in Korea and internationally. 이사라 작가는 홍익대학교에서 미술학 박사학위를 취득하고, 활발한 전시 활동을 이어가고 있는 회화 작가이다. 그녀의 작업 주제인 ‘Wonderland’는 작가가 꿈꾸는 세계이자 사랑·행복·호기심이 응축된 상상의 공간으로, 작품에 등장하는 소녀들은 어린 시절의 기억과 감정을 바탕으로 만들어진 가상의 존재이자 소망을 투영하는 매개체로 설정된다. 반짝이는 눈망울의 소녀와 몬스터 친구들이 함께 상상 속 세계를 여행하는 서사를 통해, 동심과 상상력에서 비롯된 따뜻하고 몽환적인 정서를 화면에 펼쳐낸다. 가나아트스페이스, 인사아트센터, Gallery Daon, M Contemporary(Thailand), 더 트리니티 갤러리, 제주 그랜드 조선호텔 전관 등에서 약 45회의 개인전을 개최했으며, 국내외 다수의 단체전 및 아트페어에 참여하며 활동 영역을 넓혀왔다. 작품은 국립현대미술관 Art Bank, 스페이스몸미술관, 모란미술관, 서호미술관, 서울미술관을 비롯해 하트하트재단, 아디다스, 라온스테이, 서울 USC치과, 도담에스테이트, 숙명여자대학교 등 여러 기관 및 기업, 그리고 국내외 개인 컬렉터에게 소장되어 있다. - Lucky Bear originates from the memory of a teddy bear that comforted and encouraged the artist during her childhood. The figure embodies the idea of a presence that brings luck and positivity. Rendered in the distinctive colors of Lee Sara’s Wonderland, Lucky Bear symbolizes a world where curiosity and imagination unfold. The artist applies a scratching technique onto the surface as a gesture of wishing happiness and good fortune. Through Lucky Bear, Lee recalls the pure emotions and memories of childhood while conveying small moments of luck and courage to those who encounter her work. 럭키베어(Lucky Bear)는 작가가 어린 시절 곁에서 힘이 되어주고 용기를 주었던 곰인형의 기억에서 출발한 작품으로, ‘행운을 전하는 존재’라는 의미를 담고 있다. 이사라의 ‘Wonderland’ 컬러로 표현된 럭키베어는 호기심과 상상력이 펼쳐지는 세계를 상징하며, 그 위에 행복과 행운을 기원하는 마음으로 스크래치 기법을 더한다. 이사라는 럭키베어를 통해 어린 시절의 순수한 감정과 기억을 불러내고, 작품을 마주하는 이들에게 일상의 작은 행운과 용기를 전하고자 한다.
Featured Artworks
Chun Kyungja 천경자
b.1924–2015 Chun Kyung-ja was a leading figure in modern and contemporary Korean art who established a distinctive world of color painting centered on motifs of women, flowers, and exotic landscapes. Born in 1924 in Goheung, Jeollanam-do, she studied Oriental painting at the Tokyo Women’s College of Fine Arts in Japan. Moving beyond the conventional framework of traditional Korean painting, Chun developed her own pictorial language through intense color and delicate line work. The women appearing in her paintings are not merely aesthetic subjects but figures endowed with strong inner presence and self-awareness, forming a unique visual sensibility through the combination of vibrant yet lyrical colors and decorative compositions. From the late 1960s onward, she traveled extensively to places such as Tahiti, Europe, Africa, and Latin America, undertaking numerous sketching journeys. These experiences expanded her artistic world into one where exotic nature and cultural imagery intertwine. Landscapes, figures, and animals encountered during her travels were reimagined through her signature vivid palette and dreamlike atmosphere, evolving into explorations of women’s lives and emotions as well as the vitality of nature. Through these works, Chun Kyung-ja broadened the expressive possibilities of Korean color painting and came to occupy an important place in the history of modern Korean art. Chun received the Presidential Prize at the National Art Exhibition of Korea in 1955 and was awarded the Silver Crown Order of Cultural Merit in 1983. She was also a member of the National Academy of Arts, Republic of Korea and served as a professor at Hongik University. Her works are held in major public collections, including the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea, the Seoul Museum of Art, and the Jeonnam Museum of Art. 천경자는 여성과 꽃, 이국적 풍경을 주요 모티프로 삼아 독창적인 채색화의 세계를 구축한 한국 근현대미술의 대표 화가이다. 1924년 전라남도 고흥에서 태어나 일본 도쿄 여자미술전문학교에서 동양화를 수학하였으며, 이후 한국화의 전통적 형식에 머무르지 않고 강렬한 색채와 섬세한 선묘를 바탕으로 자신만의 회화적 언어를 발전시켰다. 그의 작품에 등장하는 여성은 단순한 미적 대상이 아니라 강한 내면성과 자의식을 지닌 존재로 표현되며, 화려하면서도 서정적인 색채와 장식적인 구성이 어우러져 독창적인 미감을 형성한다. 1960년대 후반 이후 작가는 타히티, 유럽, 아프리카, 중남미 등 세계 여러 지역을 여행하며 다수의 스케치 여행을 진행했고, 이러한 경험은 이국적인 자연과 문화적 이미지가 결합된 독특한 회화 세계로 확장되었다. 여행에서 얻은 풍경과 인물, 동물의 이미지는 작가 특유의 강렬한 색채와 환상적인 분위기로 재구성되며, 여성의 삶과 감정, 자연의 생명력에 대한 탐구로 이어졌다. 이러한 작업을 통해 천경자는 한국 채색화의 표현 영역을 확장하며 한국 근현대 미술사에서 중요한 위치를 차지하게 되었다. 천경자는 1955년 대한민국미술전람회 대통령상을 수상하였으며, 1983년 대한민국 은관문화훈장을 받았다. 또한 대한민국예술원 회원으로 활동하였고 홍익대학교 미술대학 교수로 재직하였다. 그의 작품은 국립현대미술관, 서울시립미술관, 전남도립미술관 등 국내 주요 미술관과 기관에 소장되어 있다.
Featured Artworks
HA TAEIM 하태임
b.1973 Ha Tae-im is an artist who has gained recognition for her distinctive approach to contemporary abstraction. Born in Seoul in 1973, she graduated from the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris and later received her Ph.D. in Fine Arts from Hongik University after returning to Korea. She has held 37 solo exhibitions and participated in over 300 group exhibitions at institutions and galleries both in Korea and internationally, including POSCO Art Museum, Helen J Gallery (LA), Gallery AP Space (New York), Artside Gallery (Beijing), Cité Internationale des Arts (Paris), Youngeun Museum of Contemporary Art, Schema Art Museum, and Seoul Auction. She served as a full-time professor in the Department of Art Contents at Sahmyook University until 2018, when she stepped down to focus entirely on her artistic practice. A defining characteristic of Ha Tae-im’s paintings is the repeated layering of colorful bands known as “Color Bands.” To complete a single band of color, the artist applies numerous brushstrokes, carefully adjusting the density and rhythm of the pigment. Through this accumulated flow of color, the surface of the canvas generates a musical sense of rhythm and spatial depth. Within seemingly simple forms, subtle variations and layered hues create a refined visual resonance, offering a painterly experience in which color itself conveys emotion and energy. Her representative series, Un Passage, is regarded as a body of work that visualizes the flow of time and inner emotional states through the movement and relationships of color. In 1999, she received the Principality of Monaco Award at the Monaco International Contemporary Painting Exhibition. Her works are included in the collections of major institutions and organizations such as the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea, the Seoul Museum of Art, Samsung Electronics, and the Seoul Family and Administrative Court, as well as the lobby of the Capella Hotel in Singapore, where the 2018 summit between former U.S. President Donald Trump and North Korean leader Kim Jong-un was held. 하태임은 은 새로운 감각의 추상화로 주목받아 온 작가이다. 1973년 서울에서 태어나 프랑스 파리 국립미술학교를 졸업하였으며, 귀국 후 홍익대학교에서 미술학 박사학위를 받았다. 포스코미술관, Helen J Gallery(LA), Gallery AP Space(New York), Artside Gallery(Beijing), Cité Internationale des Arts(Paris), 영은미술관, 쉐마미술관, 서울옥션 등 국내외에서 총 37회의 개인전을 개최하고 300여 회의 단체전에 참여하며 활발한 활동을 이어왔다. 또한 2018년까지 삼육대학교 미술컨텐츠학과 전임교수를 지내다 작업에 전념하기 위해 교수직을 내려놓았다. 하태임의 회화는 ‘컬러 밴드(Color Band)’라 불리는 색채의 띠가 반복적으로 중첩되며 화면을 구성하는 것이 특징이다. 작가는 하나의 색띠를 완성하기 위해 수차례 붓질을 반복하며 색의 농도와 리듬을 조율하고, 이러한 축적된 색채의 흐름은 화면 전체에 음악적 리듬과 공간감을 만들어낸다. 단순한 형태 속에서도 색의 층위와 미묘한 변화가 감각적인 울림을 형성하며, 색을 통해 감정과 에너지가 전달되는 회화적 경험을 제안한다. 대표 연작인 Un Passage는 색채가 만들어내는 흐름과 관계 속에서 내면의 감정과 시간의 흐름을 시각적으로 드러내는 작업으로 평가된다. 1999년 모나코 국제 현대 회화전에서 모나코 왕국상을 수상한 바 있으며, 국립현대미술관, 서울시립미술관, 삼성전자, 서울가정행정법원과 2018년 트럼프 대통령과 김정은 국무위원장의 북미회담이 열렸던 싱가폴 카펠라호텔 로비 등 주요한 장소에 작품이 소장되어 있다.
Featured Artworks
HIROYUKI 히로유키
b. 1978, Tokyo HiroYuki is an artist who graduated from the Oil Painting Department of Tama Art University. His practice focuses on reinterpreting iconic masterpieces from art history through a distinctive visual language that blends Japanese portrait aesthetics with cartoon-like characters. At the core of his work lies an inquiry into perception formed through personal experience, collective intelligence, and the mechanisms through which certain images and figures become widely remembered and culturally iconic. By reconstructing historical masterpieces through the perspective of his original characters, HiroYuki expands canonical works of the past into contemporary narratives that resonate with present-day visual culture. Rather than directly depicting external reality, his works draw upon the Japanese artistic tradition of symbolically expressing inner thoughts and conceptual ideas. Through this approach, complex themes are translated into intuitive and approachable imagery. HiroYuki continues to broaden his practice across diverse media, from painting to AI-based works, and has actively participated in international art fairs and exhibitions in countries including Korea and the United Arab Emirates. 히로유키(HiroYuki)는 다마미술대학 회화과(유화 전공)를 졸업한 작가로, 미술사의 대표적인 명작을 일본적 초상 미학과 만화적 캐릭터로 재해석하는 작업을 이어오고 있다. 작가는 개인의 경험을 통해 형성되는 ‘인식’과 집단지성, 그리고 왜 특정 이미지와 인물이 대중적으로 기억되고 유명해지는가에 대한 질문을 작업의 핵심 주제로 삼는다. 역사적 명화를 자신의 오리지널 캐릭터의 시선으로 재구성함으로써, 과거의 명작을 오늘의 감각과 연결된 동시대적 서사로 확장한다. 특히 외부 현실을 직접 재현하기보다, 인간의 내면적 사고와 개념을 상징적으로 표현해온 일본 예술 전통을 바탕으로 복합적인 주제를 직관적이고 친숙한 이미지로 풀어낸다. 히로유키는 회화부터 AI를 활용한 작업까지 폭넓은 매체를 넘나들며 작업 영역을 확장해왔다. 한국과 두바이 등 국제 아트페어와 전시에 참여하며 활발히 활동을 넓히고 있다. - I'm Having Some Trouble is HiroYuki’s reinterpretation of a self-portrait painted in 1889 by Vincent van Gogh. While retaining the intensity of the original brushwork and the concentrated gaze of the portrait, HiroYuki transforms the figure’s form and facial expression into his own signature character. The contrast between background and figure, as well as the repetitive brushstrokes, references the painterly qualities of the original while translating them into a contemporary visual language. Through this work, the artist invites viewers to reconsider a nineteenth-century painter’s self-portrait from a present-day perspective, demonstrating how canonical masterpieces continue to be reinterpreted and circulated within contemporary culture. I'm having some trouble는 반 고흐가 1889년에 제작한 자화상을 바탕으로 한 히로유키의 재해석 작품이다. 원작의 강렬한 붓질과 응축된 시선은 유지하되, 인물의 형태와 표정은 히로유키의 캐릭터로 새롭게 변환되었다. 배경과 인물의 색 대비, 반복적인 붓 터치는 원작의 회화적 특성을 참조하면서도 동시대적 이미지 언어로 치환된다. 이 작품은 19세기 화가의 자화상을 오늘의 시선으로 다시 바라보게 하며, 명작이 현재에도 지속적으로 재해석되고 소비되는 방식을 보여준다.
